ライブは１ステージの限られた時間内で盛り上がるよう曲を配列し効率良く演奏しなければならない。自分のバンドだけなら多少時間が前後しても休み時間や終演時間を調整すれば済むかもしれない。しかし複数のバンドが演奏するジャズ祭などでは一つのバンドが時間をオーバーすると後のバンドに多大な迷惑がかかる。
　大体経験から演奏曲数は決められるはずなのだが中にはもう時間が来ているのに「あと１曲・・・」などと無神経に準備してきた曲を全部こなすバンドもある。時間管理の意識が乏しいのではないだろうか。
　時間の誤算の原因の一つには曲間の時間の見誤りがある。１曲が終わって次の曲までの間には若干のＭＣも必要である。簡単に曲目を言うだけでも１分はかかる。まして曲の解説やメンバー紹介をすれば最低２分はかかる。１ステージ合計では１０分は簡単に消費する。３０分ステージでは私のバンドの場合ＭＣを簡素化しても大体４曲が精一杯である。
　もう一つ時間管理の側面から見て気になるのはライブ開演時間である。開演時間になってもダラダラと演奏者が雑談していたりするとすごくイライラする。定刻に“バーン”と最初の曲の音が出ると何かすごく快適でスッキリした気分となる。これは私がＡ型人間だからかしら？

　最近の世界のトピックニュースで面白い記事があった。ニュージーランドのクライストチャーチと言う街で犯罪多発への対策としてモーツアルトの音楽を街頭で流した所犯罪が激減したというのである。反社会的犯罪はモーツアルトを流し始めた２年前から一挙に９０％も減ったそうで、これが本当なら他の都市でも大いに採用すべきであろう。
　以前このコラムでもクラシックがバイオテクノロジーや医療分野で効果を発揮するということを書いたことがあった。だが犯罪抑止効果は全く新しい効用である。しかしこのことからクラシック音楽の素晴らしさが万人に受け入れられたと解釈するのは早計である。
　アメリカのある街では車でラップをデカイ音で流し軽犯罪法で逮捕された若者に１５０ドルの罰金を課した。但しクラシックを２０時間聴けば罰金は３５ドルにするとした。所がこの若者はたった１５分で「こんなの音楽じゃあない。」とギブアップ。クラシックを連続して聴く苦痛よりは罰金１５０ドルを払う方を選択したそうである。
　こうしてみるとクライストチャーチの若者たち（犯罪者も含めて）はクラシックを聴いて行儀良くなったのではなくクラシック音楽のない他の街に「疎開」したのかもしれない。

　ジャズの歴史上ではクラリネットという楽器は大変重要な地位を占めていた。まずニューオリンズジャズやデキシーランドジャズではトランペット、トロンボーン、クラリネットが定番の３管であった。そしてスイング時代にはベニーグッドマン等によってジャズ・クラリネットの全盛時代を迎える。
　しかしその後、木管楽器はサクソフォンが主流となりクラリネットはマイナーな楽器になってしまった。その理由はサクソフォンの方が音量もあり、音自体の説得力に優れているからである。更にサクソフォンにはソプラノ、アルト、テナー、バリトンとそのバリエーションも豊富でそれぞれがその存在感を保っている。
　私はこれまでもビッグバンドでは必要に迫られてサックスとクラリネットを持ちかえで演奏していた。所が今年ニューオリンズに行って以来、その魅力に再びはまってしまった。そこで新年から再度クラリネットに挑戦してみたいなあと考えている。
　クラリネットのジャズには数々のハンディがあり、楽器演奏上でも難しさはある。だがしかしあの素晴らしい音色の魅力は何にも変えがたい。新年からクラリネットでニューオリンズの古い曲をやってみよう！

　調律師の高木裕さんが語ったこととして「天声人語」からの孫受けである。「ピアニストの腕前を測る鍵の一つは小さな音である。・・・美しく粒の揃った小さい音こそが表現の幅を広げる。」名言である。ピアノに限らず音楽全般に共通して言えることではないだろうか。
　最近の音楽は電気楽器による増幅が多い。広大なアリーナや競技場でやるコンサートでは電気機器の技術を駆使し、大音量で音を流さなければ観客にアッピールはできない。そうした大音量音楽がもてはやされる。
　競技場のコンサートで聴くだけならまだ良い。最近は電車の中のヘッドフォンでも隣に聞こえるような大音量で聴いている若者が多い。更に車の中で大音量にボリュームを上げ窓を開けて走るバカもいる。精神的に病んでいるとしか思えないのだ。
　勿論音楽であるからクライマックスにはフォルティシモで聴衆に多大の感動を与えることも大切である。しかし音楽とはそもそもピアノがあってフォルテがあり、その対比によって人間に感動と心地よさを与えるのではないだろうか。「耳に飛び込む音」だけではなく「耳を傾ける音」にもう少し神経を使いたいものである。　

　ライブで使用する譜面の管理は目下最大の悩みの種である。自分では譜面を見ないで演奏する事が多いがバックのメンバーには配布することにしている。従って予定曲が決まったら先ずは譜面準備からスタートする。１曲につき４〜５枚ずつコピーを取っておく。
　一口にライブと言ってもよそのバンドにいわゆる“乱入”の場合はまだ楽なのだが自分がリーダーのライブではその辺の準備が大変重要となってくる。大体一月に演奏する曲は１００曲くらいあるが一部重複や譜面不要曲があるので５０〜６０曲くらいの譜面が必要となる。それを各４枚としても合計２００枚以上となる。これらをライブが終わるたびに整理して譜面棚に格納するのだがこの作業がえらく面倒くさい。
　カルタ取りのようにアルファベット順にダーっと並べていくのだがちょっと２，３回放置するともうごちゃごちゃで訳分からなくなる。全部が全部格納するのならまだ良いのだが一部は次にも使おうなどと勘案しながら整理していると一向に片付かない。
　ミュージシャン仲間にその辺のノウハウを訊いたりするが人それぞれで絶対的に良い方法はないようである。誰か譜面整理をしてくれる「私設ライブラリアン」がいないかしら。勿論無給で。

　楽器を演奏する者にとってソロの魅力は捨てがたい。特にセンターマイクでスポットライトを浴びながらソロを吹く事は楽器奏者の夢である。その上万雷の拍手を戴けたら最高の栄誉なのだ。特にビッグバンドではその気持ちはいやがうえにも高まる。
　所がアマチュアのビッグバンドなどでは折角こうした機会を与えられながらその機会を上手く活かしていない例が数多く見受けられる。ソロ直前にマイクに走り寄ってうつむき加減でソロを行い、終わると首をひねりながら戻ったりする人を良く見かける。演奏内容は別にしてもっと堂々と演奏して欲しいなあとつくづく感じるのである。
　まずセンターマイクでソロを取る場合は予め自分の席からマイクまでの移動時間から逆算し、余裕を持って席を立ちゆっくりとマイクに近づく。マイクの前に立ったらまず会場全体を見渡す。できることなら２階席を見上げるくらいに顔を上げたほうがよい。ここで深呼吸する。
　更にマイクと楽器の位置はとても大切である。概してマイクに遠すぎて余り音が良く入っていない場合が多い。自分でマイクの高さを調整するゆとりが欲しいものである。そして演奏が終わったら上手く行こうが行くまいがゆっくりと自信たっぷりにお辞儀をし、悠々と席に引き上げる。そうすればやんやの喝采間違いなしである。

　先日テレビを見ていたら人気の女性演歌歌手が３名で演歌の小節について語り合っていた。同じ曲でも３人の小節の回し方が全く違う点が興味深かった。演歌では小節こそがその曲や歌手の特徴を表わす最大の武器になる。演歌歌手の唱法が皆違って当然なのである。
　ジャズの世界でも同じことが言える。但し小節ではなく“ビブラート”と言う技術である。ビブラートとは音程を波のように振るわせる技術のことであり、その奏法は教科書的には定められている。
　かつてスイングジャズの時代にはビッグバンドで全員が同じビブラートで演奏することを義務付けられた。今でも人気のあるグレンミラー楽団などではサックスセクションが全員揃ってビブラートを付けることにより美しいハーモニーを作り出したのである。
　しかしコンボで各人のソロが強調されるようになると各奏者は千差万別、個性的なビブラートを駆使するようになる。特にバラードで白丸（2文音符や全音符）が多くなると音質、抑揚、ビブラートで曲の味わいを表現するようになった。演歌の小節、ジャズのビブラートは曲の味付けの上で重要な“だしの素”であり、個性の源となっているのである。